Le photoréalisme est l’un des objectifs ultimes de nombreux artistes du domaine de l’informatique, et l’un des plus difficiles à atteindre. Même si vous êtes relativement nouveau en infographie 3D, toutefois, les outils et les techniques de flux de travail actuels permettent d'obtenir un réalisme photo très réaliste. Voici huit techniques pour vous aider à y arriver:
01 sur 08Biseau, Biseau, Biseau
Oublier de chanfreiner ou chanfreiner les bords est l’une des erreurs les plus courantes commises par les artistes 3D débutants. Il n’ya presque pas de bords tranchants dans la nature, et même la plupart des objets fabriqués par l’homme ont une légère rondeur lorsque deux surfaces opposées se rencontrent. Beveling permet de faire ressortir les détails et de vraiment mettre en valeur le réalisme de votre modèle en permettant aux contours de capter correctement les points forts de votre solution d'éclairage.
L'utilisation du biseau (ou outil de chanfrein dans 3ds Max) est l'une des premières choses à apprendre en tant que modeleur. Si vous êtes assez novice en 3D et que vous ne savez pas comment créer un bord biseauté, il y a de fortes chances que vous puissiez vraiment bénéficier d'un bon tutoriel d'introduction ou même d'un abonnement à une formation.
02 sur 08Apprendre à utiliser le flux de travail linéaire
Même si le flux de travail linéaire existe depuis des années, cela reste une idée déroutante et compliquée pour les débutants.
La nécessité d'un flux de travail linéaire découle essentiellement du fait que votre moniteur affiche les images dans un espace colorimétrique (sRGB) différent de celui qui est généré par votre moteur de rendu (linéaire). Pour lutter contre cela, les artistes doivent prendre les mesures nécessaires pour appliquer la correction gamma à un rendu.
Cependant, le flux de travail linéaire va bien au-delà des simples corrections gamma: il s'agit d'éviter les anciennes techniques et les solutions de contournement (dont la plupart sont basées sur des calculs obsolètes) et de passer à de véritables solutions d'éclairage basées physiquement.
Il y a beaucoup à dire sur le flux de travail linéaire et, heureusement, on en a discuté de manière exhaustive au cours des dernières années. Linear Workflow and Gamma est un site utile pour apprendre la théorie sous-jacente au processus et renvoie à de nombreuses sources. Vous aurez donc beaucoup de lecture à faire. Linear Workflow in Maya 2012 est un cours sur les tuteurs numériques qui traite spécifiquement du flux de travail linéaire de Maya 2012.
03 de 08Utiliser les profils de lumière IES pour l'éclairage photométrique
Parallèlement à l'essor du flux de travail linéaire, les artistes 3D (en particulier ceux travaillant dans la visualisation architecturale) ont commencé à utiliser des fichiers appelés profils de lumière IES pour imiter de manière plus réaliste l'éclairage du monde réel.
Les profils IES ont été créés à l’origine par des fabricants tels que General Electric afin de quantifier numériquement les données d’éclairage photométrique. Parce que les profils d'éclairage IES contiennent des informations photométriques précises sur la forme, la luminance et la chute de la lumière. Les développeurs 3D ont saisi l'opportunité d'ajouter le support IES dans la plupart des principaux packages 3D.
Pourquoi passer des heures à essayer d’imiter l’éclairage du monde réel lorsque vous pouvez utiliser un profil IES et disposer de la réalité?
CG Arena propose de superbes images pour vous donner une idée du profil de lumière IES.
04 de 08Utiliser la profondeur de champ
Les effets de profondeur de champ (arrière-plan flou) sont l’un des moyens les plus simples d’augmenter le réalisme de vos rendus, car nous les associons étroitement à la photographie réelle.
L'utilisation d'une faible profondeur de champ permet d'isoler votre sujet et peut améliorer votre composition à pas de géant lorsqu'elle est utilisée dans des situations appropriées. Les effets de profondeur peuvent être calculés au moment du rendu à partir de votre package 3D ou appliqués en post-production à l'aide d'une passe de profondeur z et d'un flou d'objectif dans Photoshop. L'application de l'effet par la poste est de loin l'itinéraire le plus rapide. Toutefois, la définition de la profondeur de champ dans votre application principale vous permet de mieux contrôler l'effet.
05 de 08Ajouter une absorption chromatique
Le nom semble compliqué, mais l’ajout de l’aberration chromatique à vos rendus est probablement la technique la plus simple de cette liste.
L'aberration chromatique se produit dans la photographie du monde réel lorsqu'un objectif ne parvient pas à restituer tous les canaux de couleur au même point de convergence. Le phénomène se manifeste par des "franges de couleur", où les bords fortement contrastés présentent un contour rouge ou bleu subtil.
L'aberration chromatique ne se produisant pas naturellement dans l'éclairage des images de synthèse, les artistes 3D ont développé des moyens de simuler le phénomène en décalant le canal rouge et bleu d'un rendu par un ou deux pixels dans Photoshop.
L'aberration chromatique peut ajouter du réalisme à un rendu, mais elle peut également nuire à celui-ci lorsque l'effet est excessif. N'ayez pas peur d'essayer, mais souvenez-vous que la subtilité est votre meilleur ami.
06 de 08Utiliser des cartes spéculaires
La plupart des artistes apprennent très tôt à utiliser des cartes spéculaires, mais ils méritent sans aucun doute une mention pour ceux qui ne sont pas encore à bord.
Les cartes spéculaires indiquent à votre moteur de rendu quelles parties de votre modèle doivent avoir une spécularité élevée (brillance) et lesquelles doivent être plus diffuses. L'utilisation de cartes spéculaires augmente le réalisme, car la réalité est évidente: la plupart des objets dans la nature ne présentent pas une brillance uniforme, mais lorsque vous laissez la carte spéculaire désactivée, le rendu sera exactement comme celui de votre modèle.
Même pour les objets qui faire Si la brillance est relativement uniforme (céramique émaillée, métal poli), vous devez toujours utiliser une carte de spécifications techniques pour vous aider à mettre en évidence les irrégularités de surface dues aux égratignures, bosses et bosses.
07 de 08Grunge it Up
Vous ne voyez pas "l'erreur de perfection" autant que vous le faisiez au début de CG, mais pour ceux d'entre vous qui ont besoin d'un rappel: n'ayez pas peur d'ajouter de la saleté et du grain à vos modèles et textures.
La plupart des objets du monde réel ne sont ni propres ni vierges. Par conséquent, si vous laissez vos modèles de cette manière, vous risquez de devenir paresseux et de saper votre quête de photoréalisme. Il ne s'agit pas uniquement de détails texturaux: essayez d'ajouter des fissures et des destructions à grande échelle à certains de vos modèles, en particulier si vous travaillez dans des environnements de jeu de type FPS.
Gardez à l’esprit l’idée de non-perfection lorsque vous peuplerez également vos scènes. Sauf si vous optez pour un rendu de type showroom architectural très soigné, dispersez naturellement certains accessoires dans votre scène pour donner à l'espace un aspect vécu.
08 de 08Ajouter une asymétrie
La possibilité d'activer la symétrie lorsque vous modélisez ou sculptez un personnage est un grand luxe. Cela signifie qu'en tant que modélistes, nous ne devons effectuer que la moitié du travail et ne jamais avoir à nous soucier d'un œil plus grand que l'autre, ou de nous assurer que la gauche la pommette est alignée avec la bonne (vous savez, ces problèmes embêtants qui dérangent les peintres et les sculpteurs traditionnels).
Mais quand vient le temps de faire un dernier détail et de poser votre modèle, c'est une excellente idée de désactiver la symétrie et d'ajouter une sorte de variance asymétrique à votre personnage.
Qu'il s'agisse de la pose, du costume ou des détails de texture, l'asymétrie rendra vos modèles plus réalistes et vous obtiendrez probablement une image finale plus dynamique et plus réussie.
