J'ai récemment étudié de nombreuses références en matière d'éclairage et j'ai eu l'occasion d'assister à la conférence Gnomon Masterclass sur l'éclairage cinématographique efficace avec Jeremy Vickery (actuellement directeur technique en éclairage chez Pixar).
Je suis l'art de Jeremy depuis des années. Il a un style vraiment fantaisiste et imaginatif, et il a été l'un des premiers artistes que j'ai suivi sur DeviantArt (il y a probablement quatre ou cinq ans).
J'ai également approfondi le second livre de James Gurney, Colour and Light.
Même s'ils travaillent dans des milieux différents, James et Jeremy semblent partager une philosophie relativement similaire à propos de la lumière: cette illumination de scène doit être abordée de manière analytique, mais l'artiste doit également savoir où les règles et les théories peuvent être enfreintes ou exagérées pour s'épanouir. et intérêt.
La masterclass de Jeremy et le livre de Gurney offrent tous les deux de nombreux conseils utiles pour créer un éclairage efficace dans une composition.
J'ai essayé de décomposer certains de leurs principaux points pour vous les transmettre pour une utilisation avec des images 3D.
01 sur 06Comprendre un éclairage efficace en 3 points
L'éclairage en trois points est la technique la plus couramment utilisée pour l'éclairage de portrait et de cinéma, et vous devez le comprendre pour pouvoir créer des images de synthèse réussies.
Je ne vais pas entrer dans trop de détails ici, mais une configuration d'éclairage de base à 3 points ressemblerait typiquement à ceci:
- Lumière principale - La source de lumière primaire, souvent placée à 45 degrés devant et au-dessus du sujet.
- Fill Light - Une lumière de remplissage (ou coup de pied) est une source de lumière secondaire plus douce utilisée pour éclaircir les zones d'ombre de la composition. Le remplissage est généralement placé en face de la clé.
- Rim Light - Une lumière périphérique est une source de lumière puissante et brillante qui éclaire le sujet par-derrière, servant à séparer le sujet de son arrière-plan en créant un mince cadre de lumière le long de la silhouette du sujet.
Bassins de Lumière
Lorsque Jeremy Vickery a mentionné cette technique pour la première fois dans sa classe de maître, je n'y ai presque pas réfléchi, mais lorsque j'ai commencé à regarder de plus en plus d'œuvres numériques avec éclairage, je me suis rendu compte à quel point cette technique était omniprésente (et efficace). est, surtout dans les paysages.
Les artistes paysagistes numériques utilisent «des bassins de lumière» de manière presque compulsive pour ajouter du théâtre et de l’intérêt à une scène. Découvrez cette belle illustration de Victor Hugo et faites attention à la manière dont il utilise un bassin d'illumination brillante pour ajouter un effet dramatique à l'image.
De nombreux peintres de la Hudson River School ont utilisé les mêmes techniques.
La lumière dans la nature est rarement constante et uniforme, et il n’est jamais mauvais d’exagérer. Dans la conférence de Jeremy, il dit que son objectif en tant qu'artiste n'est pas de recréer la réalité, mais d'améliorer quelque chose. »Je suis tout à fait d'accord.
03 sur 06Perspective atmosphérique
Il s'agit d'une autre technique extrêmement utile pour les artistes de l'environnement qui doivent créer une impression de profondeur dans leurs images.
Beaucoup de débutants commettent l'erreur d'utiliser un éclairage et une intensité de couleur constants dans l'ensemble de leur scène. En réalité, au fur et à mesure que les objets s'éloignent de la caméra, ils doivent s'effacer et disparaître à l'arrière-plan.
Les objets au premier plan doivent généralement avoir certaines des valeurs les plus sombres de la scène. Le milieu du sol doit contenir le point focal, éclairé en conséquence, et les objets à l'arrière-plan doivent être désaturés et déplacés vers la couleur du ciel. Plus l'objet est éloigné, moins il devrait pouvoir être distingué de son arrière-plan.
Voici une peinture fantastique qui met en valeur la perspective atmosphérique (et la lumière mise en commun) pour améliorer la profondeur.
04 de 06Joue au chaud contre cool
Il s'agit d'une technique picturale classique, dans laquelle les objets en illumination ont tendance à avoir des teintes chaudes, tandis que les zones d'ombre sont souvent rendues avec une dominante bleue.
Le maître illustrateur de fantasy Dave Rapoza utilise cette technique assez fréquemment dans ses peintures.
05 de 06Utiliser un éclairage implicite
C'est une technique que Gurney et Jeremy abordent. Éclairage implicite
C'est une stratégie utile car elle donne au spectateur l'impression qu'il existe un monde au-delà des bords du cadre. L'ombre d'un arbre ou d'une fenêtre invisible ajoute non seulement des formes intéressantes à votre image, mais aide également à attirer votre auditoire et à le plonger dans le monde que vous essayez de créer.
Utiliser une source de lumière implicite qui est obstruée de la vue du public est également une stratégie classique pour cultiver un sens du mystère ou de l'émerveillement. Cette technique a été utilisée à la fois Pulp Fiction et Repo Man
06 sur 06Deuxième composition
La composition en fraction de seconde est particulièrement importante lorsque vous utilisez une animation ou des effets visuels. Paraphrasé très vaguement, Vickery fait essentiellement la déclaration suivante dans sa conférence Gnomon:
«Le film n’est pas un art, dans la mesure où le public n’a pas l’occasion de se tenir dans une galerie et de regarder chaque image pendant cinq minutes. La plupart des prises de vue ne durent pas plus de deux secondes. Veillez donc à utiliser votre éclairage pour créer un point focal puissant qui sort de l'écran immédiatement. "
Encore une fois, la plupart de cette citation est paraphrasée dans mes propres mots, mais l'essentiel de son propos est que, dans le cinéma et l'animation, vous n'avez pas beaucoup de temps pour que votre image fasse une impression.
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