L'animation limitée utilise des techniques spéciales pour limiter les efforts nécessaires à la production de l'animation complète, de sorte que chaque image ne doit pas nécessairement être dessinée individuellement. Lorsque vous produisez de 20 minutes à deux heures de film d'animation à 12-24 (voire 36!) Images par seconde, vous pouvez cumuler des milliers, voire des millions de dessins individuels. Même avec une équipe d'animation complète dans une grande société de production, cela peut nécessiter une main-d’œuvre presque impossible.
Les animateurs utiliseront donc des techniques d’animation limitées, qui impliquent de réutiliser tout ou partie des images animées existantes tout en dessinant de nouvelles images uniquement lorsque cela est nécessaire. Vous verrez souvent cela plus en évidence dans l'animation japonaise; En fait, c'est l'une des raisons pour lesquelles on dit souvent que l'animation japonaise est inférieure à l'animation américaine, même si l'animation américaine utilise aussi fréquemment des techniques d'animation limitées. C'est juste un peu moins évident à ce sujet.
Exemples d'animation limitée
L'un des exemples les plus simples d'animation limitée est la réutilisation des cycles de marche. Si votre personnage se dirige vers quelque chose et que vous avez créé un cycle de marche standard à 8 images, il n'est pas nécessaire de redessiner le cycle de marche à chaque étape. Au lieu de cela, répétez simplement le même cycle de marche encore et encore, en modifiant la position du personnage ou l’arrière-plan pour afficher les mouvements progressant sur l’écran. Cela ne s'applique pas uniquement aux personnes; imaginez les roues d’une locomotive qui tournent ou celles d’une voiture qui tourne. Vous n'avez pas besoin d'animer cela encore et encore lorsque les spectateurs ne sont pas en mesure de dire que vous avez réutilisé le même cycle tant que le mouvement est fluide et cohérent.
Un autre exemple concerne les personnages qui parlent, mais ne déplacent aucune des parties visibles de leur corps. Au lieu de redessiner la totalité du cadre, les animateurs utilisent un cel avec le corps de base et un autre avec la bouche ou même tout le visage animé au-dessus de celui-ci, de manière à ce qu'il se fond parfaitement dans les calques superposés. Ils peuvent simplement changer les mouvements de la bouche ou peuvent changer l'expression du visage ou même la tête entière. Cela peut compter pour des choses telles que des bras balancés sur des corps statiques, des pièces de machine, etc. - tout ce qui ne laisse bouger qu'une partie de l'objet. Ce qui compte le plus, c’est qu’elle s’intègre parfaitement.
Un autre exemple est celui des cadres de garde où les personnages ne bougent pas du tout. Peut-être qu'ils ont fait une pause pour une réaction, peut-être qu'ils écoutent, peut-être qu'ils sont figés dans la terreur. De toute façon, ils ne bougent pas pendant quelques secondes, il est donc inutile de les dessiner exactement dans la même position. Au lieu de cela, la même image est réutilisée et clichée encore et encore pour la durée correcte à l'aide de la caméra rostrum, lorsque l'animation est transférée au film.
Images d'archives
Certaines séries animées utilisent des séquences d'archives - des séquences animées réutilisées dans presque tous les épisodes, généralement pour un moment caractéristique qui constitue un élément clé de la série. Parfois, le métrage sera également réutilisé en miroir, ou avec divers changements de zoom et de panoramique pour utiliser une partie de la séquence animée, mais avec suffisamment de variations pour le rendre unique.
Flash, en particulier, rend les techniques d’animation limitées extrêmement simples et banales, réutilisant souvent les formes de caractère de base et les séquences d’animation, même sans l’utilisation intensive de tweens pour remplacer l’animation image par image. D'autres programmes tels que Toon Boom Studio et DigiCel Flipbook améliorent également ce processus et facilitent le recyclage des images et des personnages.
